书法欣赏与创作

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文/刘毅

一、书法欣赏与书法创作的关系

书法欣赏涉及面很广。 热爱书法、收藏书法的人一定要学会欣赏书法。 这包括书法家自己,他应该懂得欣赏书法。 但书法创作的范围却比较狭窄。 并不是说你会写几笔,即使你会创作。 创作的界限是比较清晰的。 就文学创作而言,创作是一本新书。 这本书虽然是虚构的,但它和以往任何人的小说或剧本都是不同的、不同的。 并非抄袭他人。 是用自己的想法写的新东西。 这被认为是一种创造。 但创作成功与否又是另一回事了。 不能说所有的创新创造都是好东西。 对于书法来说,写书法帖不能算是创作。 当然,一些临时的书法也可以算是再创作。 比如孙国廷写的沙玉海先生的《书书》,只包含了《书书》的内容,但书法技法是他自己的,也算创作。 比如王铎写的王羲之的《豹奴记》。 王羲之在信上写的是小字,王铎却写在八尺大的横幅上。 文字内容虽相同,但字的大小、排列不同,互不相随。 模仿也称为创造。 相反,如果你离开岗位,随便写写,自由表达,但水平太低,这不能算是创作。 所以,书法并不是简单地写出与别人不同的书法,这才算创作。

无论你是书法爱好者还是书法家,都应该懂得欣赏和鉴赏书法。 尤其对于书法家来说,不仅要提高功力,更要提高“眼力”。 有句话叫“高瞻远瞩”,是对那些志向远大而才华微薄的人的贬义。 这句话应该这样理解:其实一般的情况是“眼睛高了”手却跟不上。 没有“眼低”,只有“手高”。 很少有视力不好看不清楚的情况,但技术很好的。 书法家之所以强调欣赏,就是为了提高眼力。 欣赏是每个喜欢书法的人都应该掌握的一门学科。 我们不关心眼睛只关心双手,不去辨别书法的奥秘和水平。 我们只是练习手腕。 这是片面的。 因此,欣赏与创作是密不可分的。 只有提高你的视力才能跟上你的技能。 我们一定要眼和手并重,提高欣赏能力和创造力,这样才能更上一层楼。

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二、书法欣赏要点

首先我们来说说书法欣赏的核心。

书法鉴赏的核心是辨别作品的品质和品质。 也就是说,好的作品,或者更好的作品,你可以分清它哪里好,哪里欠缺。 对于大多数书法家来说,我们不必像古人或皇帝那样,说哪一幅名著是神、是妙、是威,但我们应该对一幅作品的优缺点有一个大概的认识。 有个大概的了解。

识别作品必须从作品中进行分析和区分,而不是根据共同的习惯以人或职位来评判作品。 这是一个必须跳出的障碍。 有的书法爱好者,在收藏作品时,先收藏书法协会局级作品,再收藏到常务理事级,再收藏到主任级。 那么导演级以下的人就不知道该收藏谁的作品了。 这是一个非常现实的现象。 他们对书法品质的判断,不是根据作品本身的标准,而是根据地位和声誉。 当然,这并不是说它不合理。 因为,有些人在分不清的时候,就认为职位高的人书法功底就高(当然,这个道理也有一定道理)。 我觉得你应该有一定的辨别力来辨别作品的好坏。 即使是名人的作品,也不是所有的作品都是好的。 每个人都应该意识到这一点。

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我们选作品的时候,有的作者来找我们说:你觉得好,为什么我们看不到好呢? 你认为不好的事,为什么我们认为它好呢? 包括电视台的同志也提出这个问题。 具体来说,有人问,为什么我看不到沙孟海的书法有什么好的地方呢? 为什么他的书法笔画那么粗,点画那么“粗”? 其实他不明白沙孟海用的是一支又大又细的笔。 他的写作,无论何时开始,何时完成,都充满了粗糙的棱角,而且非常有力。 他们认为圆形笔画看起来更好。 由此可见,在书法欣赏中,辨别好坏是一个大问题。

欣赏作品,首先要了解书法艺术的本质。 书法艺术的本质已经被讨论了很多年,特别是在20世纪80年代。 概括起来有三种观点:一是认为书法是一种形象艺术,或者说是一种具象艺术。 为什么说书法是形象的艺术? 由于一些古汉字是象形字,用它们进行创作时,作品就会有形象,如“山”、“水”、“船”等。另外,汉字的点画可以引起联想。 比如,点像落石,点像柳叶,点像利刀等等。如果大家都持有这样的观点,那么书法就只能探索那些象形的东西,创作的路可能会越来越窄。 。 我看过一部作品,写的是“船已过万重山”。 为了追求形象,我把这句话写成了山形的曲线。 由此,书法创作走向了绘画书法。

还有一种与具象艺术相反的说法,即书法是抽象符号的艺术。 人们认为汉字是抽象符号。 这些符号书写时,只有一处书法风格的区别。 根本没有形象,这些符号不会引起联想。 当然,我认为这种说法有一定的依据,但如果我们继续遵循这个思路,可能会逐渐脱离汉字,甚至创造出新的汉字。 我看过一部作品,他自己创造了很多字,并且随意组合了汉字中不存在的字。 他认为文字只是符号,不一定要忠于现在使用的汉字。 他们甚至可以脱离汉字而追求绝对。 抽象。 书法艺术的这种特征可能导致书法成为一种独立于汉字的书写形式。

第三种观点是,书法和其他艺术一样,有形象,但这个形象并不代表某种事物。 例如,如果你的姓氏是“石”,并不意味着你是一块石头。 宗白华先生认为,中国书法在抽象的事物中蕴含着具体的成分,即书法是抽象与具体的结合。

接下来谈谈我对书法本质的理解。

所有艺术分为两大类。 一类称为空间艺术,包括绘画、雕塑、建筑、书法等,作品占据一定的空间。 与之相对的是时间艺术,包括音乐、舞蹈、电影等,它是随着时间流逝的,它的过程就是时间的过程。 比如说,你唱一首歌,两分钟就唱完了,那就结束了,就什么也没有了。 孔子说:“绕梁三日,声音不息。” 这是想象,声音和音波早已过去。

我认为书法是一种空间造型艺术,在平面上造型。 但书法有其特殊性,即书法也具有时代艺术的特征。 它是按照一定的时间顺序进行创作的,这与艺术、雕塑、摄影不同。 每个字都是按顺序书写的,每个字都有一个笔顺的时间过程。 当然,草书和楷书的笔画顺序有时会不同,但也必须按照从上到下的顺序完成。 整部作品从头到尾都有一个顺序,顺序不能打乱。 这和音乐是一样的。

还有一点,书法不像绘画。 你可以根据自己的习惯修改它并从任何地方开始写作,不管时间顺序。 书法创作应一气呵成,不得修改、涂写、描摹。 如果你写了一篇感觉不好的作品,你就必须重新开始。 所以我认为书法是汉字的造型艺术,它也具有时间艺术的属性。 书法不仅在创作上具有时间属性,在欣赏上也具有时间属性。 欣赏一件作品时,你不能倒着看、倒着看,但你可以从任何地方开始看一幅画。

时间艺术一般是一种行为艺术。 音乐、戏剧等都是时间艺术和表演艺术。 你来晚了,没看到的已经过去了,再也补不回来了。 正是因为书法具有时间属性,所以有人将书法视为一种表演艺术。 不同的是,书法作品写完后可以收回保存。 但我不认为书法纯粹是一种行为艺术。 如果这样的话,书法就尴尬了。 例如,电视台有时会播放一些奇怪的东西,但不会展示写作技巧和动作的实际过程,而只拍摄一些挥手的动作。 这无疑将书法误解为一种表演艺术。 书法有时间属性,可以公开展示,但不能理解为表演艺术。

再者,书法是根据汉字而形的,欣赏它的人看到作品后会有一些联想。 联想从哪里来? 我们绝不会看到“一个点”就想到奇石,看到“一条竖线”就不会想到定海神针。 我们不会这样想。 我们在欣赏时所产生的联想是基于词语的意义或者词语所表达的意境。 比如,写“龙”字时,你绝不会因为第一笔是点就认为它是“龙头”。 当最后一笔拿起并转动两次时,你会认为它是“龙尾”。 我们能想到的是,“龙”是一种世界上不存在的人造动物。 又如写“飞下三千尺”时,我想知道“三千尺”是什么? 一千米,那么我们就不能把“千”字的垂直部分拉下来来表示三千英尺。 不可能是这样的。 无论你怎么拉它,它都达不到三千英尺。 书法的联想有时与音乐是一样的。 听音乐时,有时如狂风暴雨,有时如潺潺流水,有时如欢快歌舞,有时又如苍凉悲伤。 这些都是音符产生的效果。 但这并不是一个音符就能决定任何事情,而是音符的组合会给你一些联想。 我们的书法也类似。 书法是文字的组合,写出来的句子也会给你一些联想。 没有人愿意写一部没有句子的作品,这种情况恐怕很少见。 如果你这样写,它可能会变成一封编码电报,必须被破译。 这不会给你自己或观众产生任何联想,也没有欣赏价值。

但我想说,书法虽然离不开文学,但它仍然是一门独立的艺术,它并不依赖于文学。 为什么? 我们评判一部作品的好坏,不是看它的文学内容,而是看书法本身的水平。 比如,你不一定因为写了毛主席诗词,就被选去参加展览。 否则,就是对毛主席的不尊重。 你能这么说吗? 仅仅因为你写得好句子并不意味着你的作品就很好。 曾经有朋友向我建议,你应该优先考虑自己写诗的书法作品,优先考虑这些作品。 这个建议不能采纳,因为展览不是文学测试。 我们比较的是书法。 书法不好,就不好。 当然,我们还是要选择写什么。 有些适合写作,有些则不适合。 大家应该注意这一点。

书法欣赏离不开书法美学。 关于书法美学的书籍和文章太多,说法不一。 我简单说一下我的理解。

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书法是一门艺术,必然有它的美。 这就是艺术的共性。 一切艺术都是美的,但艺术之美和生活之美是不同的两件事。 生命的美丽是自然而然的。 这种美是与生俱来的。 当然也有人为的因素,有的人喜欢这样,有的人喜欢那样。 艺术之美是创造出来的。 它是从自然之美中总结出来的。 它是经过人脑的反思、加工、提炼、再创造而产生的。 有时它比自然之美还要美丽。 有时艺术之美超越生活。 美丽。

美的概念非常广泛,涵盖一切,包括丑。 所谓美学,研究美,也研究美的缺乏。 我看过一篇文章,把书法的美分为十个方面:1.形式美,2.质感美,3.节奏美,4.力量美,5.气势美,6.结构美,7.构图之美。 美,八、意境美,九、风格美,十、自然美。 我觉得划分有点重复,但是他的细分是有原因的。 我认为书法美主要有两个方面,即形式美和精神美。

南朝王僧迁曾云:“妙文者,神为先,形质次之,两者结合者,可引古人。” 按照这个观点,精神高于形式和品质,但没有形式和品质,就没有精神。 ” ,“没有皮肤,头发怎么会附着呢? 形式是基本的东西,是物质的、有形的东西; 精神是上层,是有灵性的、无形的东西。 西方有句谚语:“健康的精神寓于健康的身体”。 我觉得用心灵和身体来比喻外表和外表是非常恰当的。

从审美角度来说,首先要注重形式和品质。 书法的形式,具体来说,可以说是点画法; 粗略地说,可以说是直而险。 书法的形体美主要体现在公平、危险等相对状态上。 一个词可以是公平的,也可以是危险的,一行或整篇文章也可以是公平的,也可以是危险的。 掌握得好不好,就看你的水平了。 美与丑就是这样区分的。 从练级、危险、再练级的过程中,我们可以观察到作品形态和质量的高低。 所以,看一个人的字迹,最基本的应该是字形端正、端正,然后手侧要得体,目光要得体。 水平方向不能平,垂直方向不能直,形状不正。 这是形式和质量上的缺陷。

由此看来,书法的好坏与技巧、方法密切相关。 如果技术不达标,不合法,形状和质量就不会漂亮,反而会变得丑陋。 因此,形式美和品质美是技巧的问题。

灵性源于形式和品质。 Sublime的表达包含了更多的元素。 这个要素不仅意味着造型功底要高,还必须有外在的技巧,即要有学识、有修养,甚至要有良好的心态、高尚的品格和作风,这样你的造型才能变得崇高、高贵。 。 。 精神虽然是由形质产生的,但决定精神的范围是很广的,影响精神的因素还有很多。 有人认为,笔飞墨舞,神气就出来了。 这是一个误解。 有人认为夸张、变形就会带来美感。 这是一种错误的理解。 如果这样写,就会出现一种滑稽滑稽的气氛,显得不雅观。 所以,对于神才来说,外功更为重要。

心态和修养对于书法来说是非常有意义和至关重要的。 陶渊明有诗云:“屋宇建于人境,无车马喧嚣,问君何如,心远心散。” 在喧闹混乱的环境中,你依然可以保持安静,因为“心远了,心有偏”。 写作也是如此。 如果你想让你的表达给人留下深刻的印象,有一种优雅和宁静,你的心态就应该摆脱功利和复杂,这样你才能达到一种崇高的表达。

一般来说,形质与技艺有关,容貌与修为有关。 当手上功夫不错,但学问不够时,文笔看似有技巧,但气息平庸,缺乏精神。还有一种情况,学识修养都不错,而一甚至可以称得上是专家,但是功力却并不好。 那么写出来的文字可能有不错的气息,但是技巧不行,而且技巧单一,造型较差。

其单调且布局不够。 我们把这种写作称为“学者写作”。 如果你看一下在北京举办的“名家书法展”,你会觉得有些学者知识不错,文笔不错,句子也不错,但字却一般。 应该说,没有知识,没有技能,是不可能的;没有技能,是不可能的。 不可能有技能而没有知识。

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三、书法创作方法

这里我们重点讨论技能和知识的问题。 第一,锤炼功力是书法创作的基本条件。 刚才讲了形式和功力密不可分,所以我就讲讲功力的锤炼。 什么是技巧? 技巧就是造型的能力,它决定了作品的造型和质量。 那么力量从哪里来呢? 一定有一个正确的方法。 我们来说说一些不完全正确的方法。

第一种情况是突出“苦”字。 这种方法相信,只要努力练习,就能成功。 这个观念自古以来就很普遍。 《书谱》中提到,王羲之说“张芝技艺高超,池水尽矣”。 此外,怀素还有“笔墓”等。 如今类似的做法还有很多。 一位年轻朋友为了参加一个展览,写了三张同样内容的纸。 可以说,他非常努力。 另一位年轻人说,他一个晚上就能写出一张纸。 我觉得这种苦练虽然不费力气,但却不是一个好办法。

还有一个办法就是突出“巧”字。 这也不完全是一个好方法。 这种人非常聪明。 当他们看到有人在展览中获奖时,他们认为评委喜欢这种风格,一定会被选中,就立即开始模仿别人的作品风格进行创作。 上面有好的东西,下面也一定有好的东西! 这就是聪明人学习、模仿、做任何流行和时尚的方式。

无论是那种“苦练”,还是这种“伎俩”,我认为这两种做法都是不可取的。 不过,这两种情况都是比较常见和常见的。 要知道,这两种方法都很难达到根本成功的目的。

那么正确的做法是什么呢? 有人说把“苦”字和“巧”字结合起来。 我认为正确的做法是“鉴古鉴今”。

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向古学习,就是继承。 想要传承,就得看帖子,练好基本功。 “师古”的时候,需要有一点“吃苦”的精神。 准备一篇帖子需要时间,就像磨刀一样,必须刻苦练习。

为什么要研究古代? 很简单。 由于书法有着特别悠久的历史和丰富的积淀,所以它的历史比其他艺术门类要悠久得多。 比如京剧也是一门传统艺术。 然而,京剧有多少年历史了? 安徽剧团来到北京才200多年, 至于戏剧,才一百年; 电影和摄影在中国出现的时间很短,而且都是二十世纪以后的事; 白话文学和新诗,“五四运动至今已近八十年。中国画的历史较长,但自吴昌硕、齐白石等创新以来,才一百年左右。因此,其他艺术门类的历史是不能和书法相比的,传统基础没有书法那么深厚,我们可以看到这样的情况,比如流行音乐,没有人继承对方,都是从头开始,完全做起来。他们的勇气,没有传统基础,没有积累,就是“让各领路三五年”。

还有一些书法爱好者,总是想着创新,最后想出了一些新的东西。 比如草书,王羲之时代就已经制定了草书的规则。 现在如果想再制定一套规则,恐怕没人会认可。 我们也看到了创新,比如文革期间出现的“新魏碑”风格。 压脚的时候就好像穿了鞋一样。 由于其本身的缺陷和缺乏艺术魅力,就成了艺术书法和现在的电脑书法。 如今,谁在书法作品中书写“新魏碑”? 没有。魏碑原来的体例非常丰富多样,极富表现力,所以人们至今还写有《龙门二十品》等碑。 离开传统并重新开始是不可能的。 从这个角度来看,传统不能被视为包袱或负担,而应该被视为财富。 有些人把传统视为一种负担,觉得太重,所以想方设法创造一些新的东西。 唯一的办法就是不写汉字。 但如果你不写汉字,只是画一些线条,涂一些颜色,那就只能算艺术了。 怎么能算书法呢?

书法既要“师古”,又要向今人学习。 学习过去是“苦”,学习现在可以说是“巧”。 “今天”包括现代著名艺术家,意味着我们必须看到更多的作品、更多的展览。 如果有机会,不妨看看著名艺术家的创作。

从研究古代到创作自己的独立作品,可以通过今天人的桥梁。 通过向今天的人学习,我们可以实现从研究过去到创造我们自己的创造的飞跃。 我个人是这样学习的。 我有机会观看了启功先生的写作,学到了很多东西。 这不仅仅是关于他如何一步一步地写作,还有我如何写作。 主要看他怎么用笔,怎么布局。 启功先生最大的特点就是结构布局非常好。 他不乱用纸,有规矩。 例如,在一面旗帜上写一首七言诗时,他能正确地分配这面旗帜上的二十八个字。 从纸面上看,签名恰到好处。 看完后,我就模仿他的安排。 我现在也养成了一个习惯,不是随便拿出一张纸来写,不管大小,而是按照规则来写。 另外,我看沉鹏先生写字,他给我的启发是,他有充分的准备,持笔思考良久,先构思,先用意写,然后再写。 他的写作充满激情和爆发力。 写完后,他再读一遍,如果写得不好,他就重新写一遍。 这对我来说非常有启发。 写书法的时候,不要总是用老一套的方式去写,总是写“熟悉”的东西,而要写新的东西。 故向今人学习,不失为高明之道,值得我们共同努力。

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学习书籍的正确方法是广泛阅读。

书法艺术博大精深,书法作品众多。 在有限的时间内全部掌握它们并不容易。 有句话说:“鼹鼠饮江水,只填饱肚子”。 面对浩瀚的书法河流,我们学习,就像鼹鼠喝一点点肚子一样。 接触传统、吸收传统,我们就能受益匪浅。 现实只是有限的。 因此,我们不能因为取得了成功、获得了感悟而沾沾自喜。 更何况我们的生命很有限,我们能吸收和接受多少? 既然如此,我们正确的创作之道就是广泛涉猎,这对于磨练功力、打牢基础是非常有利的。

如何参与? 让我分享一下我自己的看法。

以书体为例,有篆书、隶书、楷书、行书、草书。 我认为行书是一种公共书体,就像大学课程一样,有公共课和专业课,行书应该算公共课。 不管你写什么书法,你都应该会行书。 写楷书的人,不能处处都写楷书。 例如,古人的书信中很少见到楷书; 用篆书书写的,必须用行书书写; 写草书的人必须从其他书体过渡到草书,草书是草书的一种。 很好的过渡风格。 我认为每个人都应该写运行脚本。 有一个误解,认为运行脚本很容易写,不需要练习。 人们相信,如果把平时写的钢笔字换成毛笔字,就会变成行书。 这是一个很大的误会。 其实,从王羲之到近现代,行书的体例非常丰富。 运行脚本需要文案。 跑脚本非常困难,值得学习。

广泛涉猎多种书体时,必须专注于一种书体。 在书的正文中写下自己的特点。 不可能五体皆能,五体皆能掌握。 有些人虽然五体皆有能力,但每一体的能力都很一般,无法给别人留下太多的印象,这是很遗憾的。 当然,冻结得太早也会阻碍你继续深入研究。

第二点,知识的积累是创作的升华条件。

什么是升华? 在物理学中,当固体直接变成气体时,称为升华。 当我们说书法艺术的升华意味着大踏步前进时,这需要知识的积累才能实现。 刚才说过,锤炼技艺可以达到形式之美,积累知识可以丰富精神。 精神虽然属于精神范畴,但却是可以感受得到的。 其实,精神就是一种呼吸。 这种气氛有雅俗之分。 粗俗有两层含义:一是庸俗、滑稽,不可取;二是粗俗、滑稽,不可取。 另一个是流行的。 通俗意味着简洁、通俗易懂,这种通俗是需要的。 所以,好看就离不开“优雅”二字。 从古至今都是这样的结论。 “优雅”不仅是技术问题,更是知识问题。 要使我们的作品具有高雅的外观,除了磨练基本功外,还要在书法功底上下功夫。 苏轼有句话:“撤文如山还不够,读万卷书才能开悟”。 可以说,知识与精神的关系,一言道尽。 我认为知识不仅仅意味着有文化、有知识。 学问离不开修养,修养关系到品格,品格又离不开书本的质量。 所以,学习不仅指知识,还指品格。 一个目的地。

In short, accumulating knowledge can improve our knowledge, improve our cultivation, temper our character, support our personality strength, and achieve the perfect unity of character and book quality. I think the art of calligraphy is very profound, especially when the ancients discussed calligraphy. There were some mysteries that made it difficult for people to understand clearly. But in practice, we can take the very complex and profound art of calligraphy and try to decipher it using simple and clear language and practical and effective practice. 由于时间关系,今天就到这里了。

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Liu Yi (1931-2016), formerly known as Wang Ping, also signed as Shizi. Originally from Taichung City, Taiwan Province. A famous calligrapher, he once served as the vice president of the Chinese Calligraphers Association and the director of the creative review committee. Winner of the Lifetime Achievement Award of the Chinese Calligraphy Frantin Award.

Selected from “Boundless Art” edited by Meng Yunfei and published by Guangming Daily Publishing House. (This article is a lecture transcript given by Mr. Liu Yi at the 11th National Calligraphy Creation Class and Training Class at the Chinese Calligraphy Association Calligraphy Training Center on May 3, 2004. Yang Ru compiled it based on the recording and reviewed it by the author. It has been Reprinted in Xinhua Digest and other newspapers.)

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